Créé en 1911, L'Atelier rouge d'Henri Matisse est devenu l'une des oeuvres les plus influentes de l'histoire de l'art moderne. Acquise en 1949 par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, où elle est depuis exposée, cette toile représente l'atelier de l'artiste à Issy-les-Moulineaux, en proche banlieue parisienne. Elle montre un espace rempli de peintures, de meubles et d'objets décoratifs. La décision radicale de Matisse de recouvrir de rouge la majeure partie de la surface du tableau a fasciné des générations de chercheurs et d'artistes, mais il restait encore beaucoup à découvrir sur la genèse et l'histoire de l'oeuvre.

Cet ouvrage abondamment illustré accompagne l'exposition consacrée à L'Atelier rouge qui réunit, pour la première fois depuis qu'ils ont quitté l'atelier de l'artiste, les tableaux, sculptures et objets qui y figurent - qu'il s'agisse des trois peintures aujourd'hui conservées au Danemark dans les collections du SMK - Statens Museum for Kunst, dont Le Luxe (II) (1907-1908), ou de pièces moins connues qui n'ont été localisées que récemment.

Publié en français à l'occasion du volet parisien de l'exposition à la Fondation Louis Vuitton, Matisse, L'Atelier rouge propose des analyses d'Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture au MoMA, et de Dorthe Aagesen, chercheuse et conservatrice en chef au SMK. Ensemble, elles retracent le parcours du tableau de Matisse, de sa commande initiale à son arrivée à New York, en passant par l'historique de ses expositions et de ses propriétaires successifs. Par leurs recherches approfondies et leur lecture attentive, elles transforment notre compréhension de cette oeuvre clé de l'art du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Magritte en 400 images propose une sélection d'oeuvres de René Magritte, des plus emblématiques aux moins connues. Ce choix délibéré vise à surprendre le lecteur et à lui faire découvrir d'autres facettes de l'artiste surréaliste belge en dévoilant des gouaches uniques ou de surprenantes bouteilles peintes.
L'ensemble de la création picturale de René Magritte est présenté en sept chapitres, depuis les premiers tableaux abstraits des années vingt jusqu'aux oeuvres surréalistes majeures des années cinquante et soixante en passant par la période Renoir et la période vache.

" Si tu veux dire un truc et si tu veux qu'on t'écoute,n mets un masque. Si tu veux être honnête, il te faudra vivre dans le mensonge. "
Banksy
Calendrier mural 30 x 42 cm - 24 pages (12 oeuvres reproduites) sur les réalisation de l'artiste Banksy.
Liste des oeuvres :
- "Love in the Bin" ;
- "Love Is in the Air" ;
- "The Ballad of the Reading Goal" ;
- "Finsbury Park" ;
- "Vandalised Phone Box" ;
- "Well Hung Lover" ;
- "Turf War" ;
- "CND Soldiers" ;
- "Sweep It Under the Carpet" ;

« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. »
Mark Rothko

Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko) Lire la suite Fermer

Découvrez cette splendide monographie sur l'artiste italien maniériste Arcimboldo, célèbre comme auteur de nombreux portraits, suggérés par des végétaux, des animaux ou des objets astucieusement disposés, comme sa représentation de Rodolphe II en Vertumne.

Découvrez cette splendide monographie sur Georges Seurat, dans la collection Les Carrés d'Art. L'artiste est le maître du pointillisme/divisionnisme. Il est très apprécié du public, et la majeure partie de son oeuvre a été achetée par des musées américains.

Art book regroupant les meilleures images d'un maître de l'illustration contemporaine, autour de l'imaginaire américain et de ses variations.

L'imaginaire de Miles Hyman est empreint de représentations sensibles et uniques des États-Unis, pays qui n'a cessé de mobiliser en lui des images, de Edward Hopper à Norman Rockwell. Certaines de ses oeuvres semblent sorties des romans de Kerouac ou de Faulkner. Dans ce recueil d'une soixantaine d'images, dont nombre d'inédites, l'artiste livre un aperçu intime de ce territoire indissociable de son identité. Ses oeuvres créent une rêverie particulière, une invitation au voyage, une découverte de ses Amériques. Il témoigne de la pluralité de ses techniques : acrylique, encre, gouache, fusain, graphite, crayons de couleurs. Grande diversité dans les sujets abordés, en lien avec les USA, mais pas seulement, aussi le Canada-Québec et l'Amérique Centrale et du Sud. En contrepoint des images, François Busnel délivre un texte brillant, un portrait de ses Amériques, dont il est l'un des meilleurs connaisseurs des mythes littéraires et artistiques. Lire la suite Fermer

Peindre l'instant, la nature sous toutes ses formes et plus encore la lumière, telle est la quête inlassable de Claude Monet, chef de file du mouvement impressionniste qui révolutionna l'art de peindre, juxtaposant sur ses toiles une multitude de touches apparentes, fragmentées, pour capter l'infinie variation des couleurs. Toute son oeuvre s'explique par cette quête, car c'est la lumière qui dessine les formes. « Un paysage, pour moi, n'existe point en tant que paysage, puisque l'aspect en change à chaque moment ; mais il vit par ses alentours, par l'air et la lumière, qui varient continuellement. » Immensités des ciels changeants de Normandie, souffle ondoyant du vent sur les champs de coquelicots, miroitements infinis du soleil sur la mer à Bordighera, reflets féériques des célèbres nymphéas à Giverny : Monet s'affirme comme le peintre par excellence de la lumière et du plein air, l'un des artistes majeurs de l'art moderne, l'un des précurseurs de l'abstraction.
Cet ouvrage consacré à Monet propose une découverte de l'oeuvre de l'artiste, présenté dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures du peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés de notices détaillées, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale. Lire la suite Fermer

Les chevaux de Théodore Géricault

Sous la direction de Gaëlle Rio et Bruno Chenique



Peintre consacré du Radeau de la Méduse, Théodore Géricault (1791-1824) n'a cessé d'observer les chevaux. Pendant sa courte vie, il réalise des centaines de tableaux et des milliers de dessins dans lesquels il explore, de son pinceau virtuose, l'anatomie, le mouvement, l'expressivité et l'émotion de l'animal. Du champ de bataille ou de courses à l'écurie, le monde équestre témoigne, chez l'artiste, d'une véritable passion développée depuis l'enfance. Sujet de prédilection de la génération romantique, le cheval a été, pour lui, le lieu de toutes les expériences esthétiques.

Au-delà du motif, l'obsession de Géricault s'inscrit dans un large contexte, géographique, économique, politique, militaire et social. Suivre, observer, scruter ses chevaux sont une formidable manière de comprendre les profondes mutations de la société napoléonienne vers la révolution industrielle. Commissaires de l'exposition « Les chevaux de Géricault », Bruno Chenique, docteur en histoire de l'art, expert de l'artiste, et Gaëlle Rio, docteure en histoire de l'art, spécialiste du xixe siècle, directrice du musée de la Vie romantique, invitent à une lecture ambitieuse et renouvelée d'un des plus grands peintres français. Lire la suite Fermer

Cents vues d'Edo, chef-d'oeuvre ultime d'Hiroshige (1797-1858) composé les deux dernières années de sa vie, rassemble 119 estampes consacrées à sa ville natale, Edo, devenue Tokyo en 1868. Il relève du genre des meisho-e (« peintures de vues célèbres ») célébrant les paysages japonais, et illustre la maturité de l'art de Hiroshige, où l'abstraction et la composition prennent davantage de place. Souhaitant « peindre des paysages que l'observateur peut voir de ses propres yeux » (Souvenirs illustrés d'Edo), Hiroshige emploie le format vertical et compose des images dont la précision topographique s'efface quelque peu sous des cadrages insolites, les agrandissements dramatiques et la vivacité des couleurs. À cet effet, il recourt à la technique nishiki-e, « estampe de brocart », nécessitant plusieurs planches de bois gravées et permettant d'utiliser de nombreuses couleurs différentes et d'obtenir un rendu détaillé. Ces estampes en grand format (oban), groupées selon les saisons de l'année, adoptent ainsi le point de vue de l'humain qui contemple le paysage, et laissent affleurer l'émotion.
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La correspondance de Vincent van Gogh ne laisse aucun doute : dès 1873, il a vingt ans, le portrait le fascine. Avant même qu'il ne prenne la décision de devenir peintre, ses nombreuses visites des musées, aux Pays-Bas, en Angleterre, ou encore à Paris, l'ont convaincu de l'importance du portrait, qu'il soit peint ou photographique. Peindre des portraits afin de se mesurer à ses pères deviendra donc le plus grand défi qu'il lui faudra relever. Mais si Rembrandt a peint pour les bourgeois d'Amsterdam, et si, au XIXe siècle, le portrait continue de rester l'affaire de personnages « distingués », Vincent ne prend pour modèles que des hommes et des femmes anonymes qui appartiennent à ce qu'il dit être le tiers état, des hommes et des femmes dont personne ne s'est jamais soucié de savoir qui ils étaient.

Dans cet ouvrage, Pascal Bonafoux met en évidence cette longue, patiente, difficile et obstinée quête artistique, à travers les lieux où Vincent a séjourné, depuis la noirceur du nord de l'Europe, en passant par la lumière éclatante d'Arles, jusqu'à sa destination finale, à Auvers-sur-Oise. Il redonne ainsi vie à l'un des plus grands artistes de tous les temps. Lire la suite Fermer

Proche des Impressionnistes et des réalistes, Gustave Caillebotte se distingue par une modernité absolue. Il prend pour sujet son environnement immédiat : le Paris d'Hausmann, les hommes de son entourage, les régates et l'aviron, sa propre vie. Ainsi il fait entrer en peinture des figures nouvelles : l'ouvrier, le sportif, l'homme nu dans son intimité. Le peintre questionne ainsi l'ordre social et sexuel dominant au 19e siècle, et à travers ses tableaux, porte une profonde interrogation sur la condition masculine.

«Comme vous, je suis désolé de ne pouvoir exposer cette année la série des Nymphéas ... Je suis très difficile pour moi-même, c'est peut-être vrai, mais cela vaut mieux que de montrer des choses qui sont médiocres.» Figure-phare du mouvement impressionniste, auteur du tableau-manifeste Impression, soleil levant, Claude Monet (1840-1926) chercha sa vie durant - du Havre à Giverny, de Paris à Venise - la nuance de couleur juste. Saisissant sur chaque toile un nouvel effet de lumière, il composa des séries picturales parmi les plus célèbres au monde : les Meules, les Cathédrale de Rouen, les Parlement de Londres, les Nymphéas. Perfectionniste à l'extrême, créateur aussi exigeant avec lui-même qu'avec ses mécènes, ami au long cours (notamment de Georges Clemenceau et d'Auguste Renoir), l'artiste composa par petites touches une oeuvre radicale, annonciatrice de l'art moderne. Lire la suite Fermer

Entrée dans les collections du Louvre en 1800, La Vierge au chancelier Rolin, peinte par Jan Van Eyck vers 1435, vient d'être restaurée. C'est un grand événement auquel le Louvre a souhaité consacrer une exposition et un livre afin d'y associer le public. C'est, en effet, une occasion unique de redécouvrir un chef-d'oeuvre aux multiples facettes, suscitant d'innombrables question?: pour quel ou quels usages Van Eyck a-t-il conçu cette oeuvre si singulière, à l'intention de Nicolas Rolin, chancelier du duc de Bourgogne, Philippe le Bon ? Pourquoi a-t-il peint à l'arrière-plan un paysage tellement miniaturisé qu'il en est - presque - invisible ? Quel dialogue l'oeuvre entretient-elle à la fois avec l'art de l'enluminure et les bas-reliefs funéraires sculptés ? Peut-on savoir comment les artistes du xve siècle ont compris cette oeuvre ?
La Vierge Rolin condense les tensions qui traversent l'art flamand dans le premier tiers du xve siècle, entre tradition médiévale et expérimentations révolutionnaires. Des rapprochements avec d'autres toiles de Van Eyck, mais aussi de Van der Weyden, Robert Campin et des grands enlumineurs de l'époque mettent en lumière à la fois sa singularité et son inscription dans son temps.
Aux côtés de nombreux et spectaculaires détails du retable, une soixantaine de panneaux peints, manuscrits, dessins, bas- reliefs sculptés et objets orfévrés sont ici réunis pour nous faire (re)découvrir ce chef-d'oeuvre. Lire la suite Fermer

Camille Pissarro (1830-1903) occupe une place centrale dans le monde des arts de son temps : membre fondateur de la nouvelle école de peinture française, l'impressionnisme, il a attiré autour de lui Monet, Renoir, Sisley, Degas, Berthe Morisot, puis Cézanne et Gauguin. Soutenu tout au long de sa carrière, malgré l'hostilité tenace du grand public, par le grand marchand d'art parisien Paul Durand-Ruel, il éprouve le sentiment persistant d'être à part, différent et difficile à classer. Installé en France dès l'âge de vingt-cinq ans mais né aux Antilles danoises, il n'est pas français et, de surcroît, il est juif. Il ne s'en cacha jamais et savait que cela n'était pas indifférent dans la société française, ébranlée à la fin du xixe siècle par la défaite de 1870, les luttes ouvrières et l'affaire Dreyfus. Ses deux passions ont été la peinture et l'éducation artistique de ses enfants. Grâce à une énergie et une disponibilité étonnantes, il ne sacrifia jamais l'une à l'autre et ses cinq fils sont devenus peintres à leur tour.

S'appuyant sur l'oeuvre considérable de Pissarro et sur une vaste collection de lettres qui témoignent d'une nature chaleureuse et d'une grande liberté de pensée, Anka Muhlstein brosse le portrait nuancé et intime d'un artiste à l'esprit indépendant et singulier. Lire la suite Fermer

Rêver et faire rêver Une rétrospective inédite des plus belles estampes et des plus grands tableaux de Gustave Doré choisis parmi son oeuvre de plus de 10 000 illustrations, commentés par Alix Paré, historienne de l'art et conférencière, et Valérie Sueur-Hermel, conservateur à la Bibliothèque nationale de France.

« Gustave Doré est un artiste complet : dessinateur, graveur, peintre et sculpteur. Son génie dans l'illustration littéraire lui vaut d'être passé dans l'inconscient collectif, d'avoir influencé le cinéma, l'animation, la bande-dessinée et la publicité. Il est l'un des plus doués mais aussi des plus prolifiques dessinateurs du XIXe siècle. (...) Doré a touché à tout : à la caricature des hommes de son temps, au reportage de guerre, à la fable, à la poésie, au romanesque mais aussi à l'allégorie et au paysage. Il a livré des caricatures comiques et des images sérieuses, des visions épiques et des vues contemplatives, il a observé le réel tout en étant virtuose dans la fantaisie. Il nous semblait nécessaire de partager ce foisonnement et de révéler cette diversité. » Extrait de l'Avant-propos « On appelle ça illustrer un ouvrage : moi, je prétends que c'est le refaire. Au lieu d'un chef-d'oeuvre, l'esprit humain en compte deux. » Émile Zola, à propos des illustrations de Gustave Doré pour Don Quichotte Lire la suite Fermer

Le portrait dit des Époux Arnolfini a été peint par Jan Van Eyck en 1434 : énigmatique, étrangement beau, sans précédent ni équivalent dans l'histoire de la peinture... Cet ouvrage offre un voyage au coeur de ce tableau, qui aimante par sa composition souveraine et suscite l'admiration par sa facture. Touche après touche, l'auteur décrypte les leurres et symboles semés par l'artiste sur sa toile, à l'image d'un roman policier à énigmes. Alors le tableau prend corps, son histoire se tisse de manière évidente et les personnages qui nous regardent dans cette scène immuable prennent vie devant nous...

Dans ce livre, Anne de Staël, fille aînée du peintre, rassemble ses souvenirs d'enfant augmentés d'une réflexion originale sur le rapport du dessin au tableau.

Les moments de vie évoqués étaient toujours mêlés à l'urgence et à l'intensité de l'expression picturale. Il ne s'agit donc pas ici d'une analyse d'historienne de l'art, mais du regard d'une enfant qui a grandi auprès de cette peinture et qui, devenue adulte, a cherché à dénouer le mystère de la création dont elle a été en partie témoin.
Jusqu'ici, le lien entre le trait du dessin - encre de Chine, fusain, mine de plomb - et la densité de la couleur n'avait jamais été aussi clairement établi.

Dans une langue toujours poétique, l'auteur a voulu montrer comment le travail du dessin dans l'oeuvre de Nicolas de Staël sous-tend la couleur. Le peintre est en effet l'un des plus grands coloristes de la peinture du XXe siècle, et nous découvrons ici l'importance de son travail de dessinateur. L'entrelacement des noirs et des blancs a aussi permis d'exalter la lumière au coeur du pigment. Devant un tableau, Anne de Staël fait surgir ses souvenirs, conséquence de l'émotion esthétique reçue. L'ouvrage est richement illustré, et la fille de l'artiste nous livre un texte à la fois poétique et personnel enrichi de lettres et d'écrits du peintre, nous permettant de redécouvrir l'ensemble de l'oeuvre de Nicolas de Staël. Lire la suite Fermer

Découvrez l'oeuvre de Banksy dans un livre exceptionnel !

Qui est Banksy ? Banksy est incontestablement devenu LA référence mondiale du street art. L'objectif du street art est de transformer un coin de la ville en un terrain de confrontation et de réflexion sur des questions sociales et existentielles.

Banksy, maître du street art

En ce sens, on peut dire que le protagoniste le plus connu, le plus efficace, le plus controversé et le plus débattu du genre est Banksy (Bristol, 1974).

La véritable identité de Banksy, au-delà des nombreuses déductions, est inconnue. Ce qui reste, c'est sa capacité à faire parler de lui à travers ses oeuvres.

Des oeuvres engagées

Des graffitis exécutés au pochoir dispersés à l'autre bout du monde - du mur séparant la Cisjordanie et Israël à Venise, en passant par New York - Banksy répand ses images qui, d'une manière claire et lisible par tous, parlent de violence urbaine, d'injustice sociale, de guerres, de libertés bafouées, de consumérisme. Toujours avec une veine d'ironie et une capacité particulière à adapter le message au support, en le faisant devenir partie intégrante de l'oeuvre elle-même. Lire la suite Fermer

Utagawa Hiroshige est un nom qui convoque immédiatement un imaginaire foisonnant et caractéristique de l'iconographie japonaise. Artiste prolifique, il y a une série d'oeuvres majeure et déterminante qui se démarque dans son travail du fait de sa popularité et de sa finesse d'exécution. « Les Cinquante-trois relais du Tokaido », en plus d'être une suite d'estampes douées d'une technique remarquable alliée à un esthétisme stupéfiant, constitue un pan à part de l'histoire du Japon et de l'histoire de l'art. Retraçant le trajet de Edo à Kyoto, cette route faisait partie d'un ensemble plus grand et indissociable de l'ère d'Edo intitulé le Gokaido. Maître absolu et incontesté de la pratique du Ukyo-e, dont il partage aujourd'hui les canons avec Hokusai, Hiroshige a élaboré 55 estampes au potentiel évocateur inouï, lesquelles n'ont cessées d'influencer les artistes depuis leurs publications jusqu'à nos jours. Cet ouvrage, dans la continuité de la collection 36 vues, est une invitation au voyage et à la rêverie dans les pas de l'un des plus grands maîtres de l'estampe japonaise. Une expérience artistique comportant de très nombreuses clés historiques, qui permettent d'aborder cette oeuvre mythique à travers les yeux érudits d'un auteur savant, qui propose ici une approche ludique assurément pertinente.
Un ensemble incontournable, introduit et commenté par un spécialiste et présenté sous la forme d'un joli livre-cadeau sur papier de création, à prix modique. Lire la suite Fermer

L'hôtel de Caumont-Centre d'art à Aix-en-Provence célèbre le maître de la couleur Pierre Bonnard (1867-1947) dans une exposition mettant en regard ses oeuvres avec des estampes japonaises, sources majeures de son inspiration. Ce hors-série revient sur le parcours de celui qui fut surnommé « le nabis japonard », du choc de sa rencontre avec ce nouveau langage artistique qui triomphe dans le Paris de la fin XIXe siècle, à son appropriation des expérimentions stylistiques des artistes nippons qu'il décline dans des tableaux, affiches, ou encore paravents.

Entretien, études d'oeuvre, infos pratiques... Ce hors-série constitue une présentation richement illustrée de l'exposition « Bonnard et le Japon » à l'hôtel de Caumont à Aix-en-Provence, en préparation ou en complément de votre visite !

Aujourd'hui mondialement connu, Vincent Van Gogh reste dans l'histoire de l'art l'exemple même du peintre maudit. Mais s'il n'était pas celui que l'on croit ?
Car derrière la légende de l'artiste incompris et tourmenté se tient un peintre formé auprès de maîtres hollandais, influencé par François Millet et Édouard Manet, qui séjourne à Anvers, débarque à Paris rejoindre son frère Theo, part à Arles chercher l'éblouissement de la couleur, passe par Saint-Rémy-de Provence, pour enfin vivre une dernière période à Auvers-sur-Oise.
Et c'est à travers ces différentes villes emblématiques de sa vie et de son évolution artistique que cet ouvrage choisit d'analyser la frénésie créatrice d'un peintre, dont la légende, toujours vivace et trompeuse, empêche aujourd'hui encore de bien connaître.
Un peintre qui témoigne d'une culture littéraire et artistique immense, travaille sans relâche, s'attaquant à tous les sujets, de la nature morte à l'autoportrait jusqu'aux paysages incandescents de la Provence, parsemés de tournesols lumineux, d'amandiers en fleur et d'oliviers argentés. Sans oublier ses derniers mois à Auvers-sur-Oise, une période marquée par un véritable renouveau artistique et la production de quelques-uns de ses plus grands chefs-d'oeuvre.
En un peu moins de dix ans d'une activité intense et déterminée, Van Gogh, que rien pourtant ne prédestinait à devenir peintre - lui qui voulait, comme son père, devenir pasteur -, laisse près de neuf cents tableaux et une correspondance d'une richesse inouïe, et s'impose comme l'une des figures majeures du postimpressionnisme, l'un des précurseurs de l'art moderne.

La collection L'Art plus grand
Cette collection propose une découverte des plus grands artistes de l'histoire de l'art, présentée dans une reliure luxueuse et inédite : composée d'une couverture en vraie toile imprimée dont le motif se prolonge en un jaspage harmonieux, elle crée ainsi une illusion visuelle enveloppante qui donne au livre son caractère précieux et unique. En plus d'une soixantaine d'oeuvres majeures d'un peintre, l'ouvrage reproduit six de ses chefs-d'oeuvre incontournables sous forme de dépliants, qui se déploient en largeur ou en hauteur. Accompagnés d'une notice détaillée, ils permettent de voir l'oeuvre en grand, d'en observer les moindres détails, de s'immerger dans la texture de la matière et dans la touche picturale.

Cet ouvrage consacré à Van Gogh propose les six dépliants suivants :
Le Semeur, juin 1888
Les Tournesols, été 1888
Les Iris, 1889
La Nuit étoilée, juin 1889
Autoportrait, été 1889
Amandier en fleur, février 1890 Lire la suite Fermer

En 1822, Delacroix fait sa première entrée dans le monde artistique en exposant " Dante et Virgile aux Enfers ", une oeuvre vigoureuse, à la composition ambitieuse et aux couleurs très travaillées. Deux ans plus tard, il peint "Le Massacre de Scio"(représentant les massacres perpétrés à Chios en avril 1822 par les Ottomans lors de la guerre d'indépendance grecque), oeuvre puissante et engagée, dont l'Etat se porte acquéreur, indifférent à la critique. Ces deux toiles concrétisent la polémique entre romantisme et classicisme, entre dessin et couleur, laquelle suivra le peintre toute sa vie.
Lors de l'exposition universelle de 1855, Delacroix présenta une quarantaine de toiles par lesquelles il confirmera son talent.
Ce magnifique ouvrage nous offre l'occasion d'admirer les plus beaux chefs-d'oeuvre de Delacroix, mais aussi de découvrir son parcours, son itinéraire et les techniques qu'il utilisait. Delacroix a eu une influence sur nombre de peintres, comme Vincent Van Gogh. Ses tableaux témoignent d'une grande maîtrise de la couleur. Lire la suite Fermer

Considéré par Cézanne comme « le premier des Impressionnistes », Camille Pissarro est l'un des fondateurs du groupe qui bouleverse l'histoire de l'art et de la représentation. Son oeuvre, d'une grande diversité - des vues de Paris inédites, des ports, des jardins qui font la transition entre impressionnisme et pointillisme... - a influencé Seurat et Signac et inspiré Gauguin. Son goût pour la poésie et la simplicité a révolutionné la peinture.
En quoi son parcours est-il l'un des plus originaux de l'histoire de l'art ? Quelles sont les particularités majeures de ses tableaux composés si différemment que ceux de Monet ou Renoir ?
Magnifiquement illustré, cet ouvrage offre une synthèse claire et enlevée de l'oeuvre de Pissarro. Il relate, dans une première partie, l'itinéraire artistique et personnel de l'artiste. Une seconde partie donne à voir ses plus grandes oeuvres en grand format. Lire la suite Fermer