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Prix
Lydia Harambourg
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Weissberg ; catalogue raisonné
Lydia Harambourg, Lydie marie Lachenal
- Somogy
- 15 Décembre 2008
- 9782757202715
Léon Weissberg, figure emblématique de l'école de Paris, est né en Galicie/Autriche-Hongrie en 1895. Loué par des grands critiques (Jean-Marie Dunoyer, Waldémar George) et exposé par les galeristes et les musées, Weissberg s'est essayé au cours de sa trop brève carrière à divers médias (peinture, dessin, sculpture...). Déporté car il était juif, il fut assassiné au camp de Maïdanek en 1943 et son oeuvre, dispersée, fut en partie détruite. Ses émouvants portraits de femmes et de petites filles ses cirques à la tonalité lyriques et ses natures mortes lui ont valu d'être redécouvert. Philippe Soupault, fondateur du mouvement surréaliste avec Breton et Aragon, fut particulièrement sensible à l'oeuvre de Weissberg et à ses personnages qui semblaient être les "acteurs d'une comédie tendre et triste, dépositaires de ses rêves, de l'insouciance et de l'angoisse du temps". Ce catalogue raisonné, qui concerne l'ensemble des créations de Weissberg, offre au lecteur une immersion dans l'univers onirique d'un artiste encore trop peu connu.
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Georges Folmer, avec constance et acharnement, abandonne toute trace de figuration pour devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique des années 1950-1960. La grande historienne de l'art Lydia Harambourg, passionnée par l'oeuvre de Folmer, revient sur ce cheminement qui a marqué l'histoire de l'art du XXe siècle.
« En art, il n'y a pas de hasard, tout est réflexion,tout est démarche pensée. » Cette affirmation de Georges Folmer (1895-1977) résume à merveille la ligne de conduite qu'il n'aura cessé de suivre, avec constance, rigueur et acharnement, pour s'extraire de toute figuration et devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique, qui s'épanouit en France dans les années 1950-1960. Peintre et dessinateur, mais aussi sculpteur, créateur d'affiches, de meuble, d'objets d'art décoratif, Folmer explore tous les supports.
S'imprégnant des grands courants de l'abstraction - le cubisme et le néoplasticisme en particulier -, trouvant aussi l'inspiration dans la poésie, la musique, les mathématiques, il élabore peu à peu un nouveau langage plastique, une forme d'expression « non figurative et non objective ».
De Nancy à Paris, Lydia Harambourg retrace le parcours riche et complexe de Folmer, à la conquête de l'abstraction la plus pure.
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Adolphe Pétérelle, oeuvres sur papier
Lydia Harambourg
- Gourcuff Gradenigo
- 14 Janvier 2021
- 9782353403189
Décédé en 1947, le peintre d'origine suisse, Adolphe Péterelle a laissé derrière lui une oeuvre puissante et abondante. Une monographie consacrée à sa peintures a été publiée en 2019.
Aujourd'hui Lydia Harambourg a réuni une sélection de ses plus beaux dessins -
Sabouraud, 1900-1996 ; de chair, de coeur et d'esprit
Danielle Bourdette-Gorzkowski, Lydia Harambourg
- Illustria
- 26 Novembre 2020
- 9782354040857
Émile Sabouraud (1900-1996), «peintre et écrivain du bonheur» écrit Jean Bouret. Il a été cet acteur passionné et le témoin attentif de la vie qu'il célèbre avec un égal talent par la substance de la forme et de la couleur, autant que par le sens des mots dans ses écrits sur son métier de peintre qu'il revendique avec une honnêteté sans partage dans l'activité d'un esprit libre et «réfractaire» dit-il. Héritier de la tradition française, il s'attache à cultiver un art d'équilibre et de mesure, d'harmonie, aux côtés de ses amis de la Réalité Poétique. Chez ce dessinateur amoureux de la ligne, le coloriste distille un lyrisme personnel dans ses sujets où le paysage, les objets dans ses natures silencieuses et les portraits, expriment sa profonde connaissance des valeurs plastiques nées de l'intelligence dont la rigueur n'exclut pas des audaces chromatiques et interprétatives fortes du sentiment et de sa grandeur poétique. À travers un oeuvre peint et écrit d'une grande richesse, Émile Sabouraud se définit comme un homme de son temps, un honnête homme lucide, resté émerveillé et sensible aux beautés de la nature dont il nous offre le témoignage ému dans sa plénitude vivante.
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André Marfaing, peinture et lavis
Lydia Harambourg
- Locus Solus
- Catalogues D'expo
- 7 Juillet 2017
- 9782368331750
Les peintures souvent de très grand format de Marfaing entrent dans la voie de l?abstraction dans les années 1950, époque où il noue des amitiés avec d?autres artistes majeurs travaillant à unr enouveau de la pratique picturale comme Pierre Soulages, Alfred Manessier, Roger Bissière.
Si le noir est son exclusivité, avec toutefois d'infinies nuances, son ?uvre se caractérise par un rejet du superflu pour mieux suivre la quête d?un absolu où le blanc de la toile rayonne de lumière.
Grâce à une sélection resserrée de peintures et lavis, cet ouvrage souligne la place et le rôle de Marfaing parmi les grands acteurs de l?art abstrait en France.
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73 sculpteurs ; deuxième biennale de sculpture, propriété Caillebotte, Yerres
Lydia Harambourg
- Somogy
- 26 Septembre 2009
- 9782757202975
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Une peinture de Jean Couty est toujours maçonnée dans une pâte dense, magnifiée par une palette aux harmonies savantes. De ses pigments précieux jaillit la lumière comme un chant d'espérance. Ce sens de la couleur le conduit à des audaces qui lui font retrouver les stridences fauves, celles d'un sensualisme à l'unisson de sa capacité à goûter à la saveur des choses de la terre. Par ses moyens plastiques, il appartient à la grande tradition picturale.
Couty ne cherche pas à photographier la réalité, chacune de ses toiles exprime au contraire son désir de dépasser la simple reproduction matérielle, et le tableau n'est jamais pour lui le fruit d'un esthétisme désincarné. Il ne fait pas l'art pour l'art, il représente ce qu'il peint pour le faire « voir en profondeur ».
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Claude Mercier ; catalogue raisonné
Colette Mercier-Metayer, Lydia Harambourg, Helene Greiner
- Somogy
- 12 Avril 2017
- 9782757211991
Un catalogue raisonné, c'est la synthèse d'une vie, pas seulement l'inventaire le plus exhaustif possible d'une oeuvre, mais la somme de toutes les recherches, de toutes les émotions, de tous les « accidents », des erreurs comme des moments de grâce, c'est l'histoire de rencontres, de ruptures, et surtout celle d'un travail immense.
À l'origine, Claude aime parler de deux rencontres évidemment déterminantes pour le jeune sculpteur qu'il fut dans le Paris de l'après-guerre, celle avec Henry Moore dans les années 1950 et celle avec Alberto Giacometti, qui encouragea la carrière de l'artiste. Mais aussi admiratif qu'il fut des grands sculpteurs adeptes du modelage dont il croisa très tôt la route, il prit courageusement un chemin très personnel, celui de « l'artisan du métal », s'inscrivant dans un courant novateur mais difficile, poursuivant une quête qui de 1949 à 2017 lui permit d'explorer, du figuratif à l'abstrait, du métal récupéré et soudé au bronze, toutes les expressions d'un matériau qu'il dompta comme nul autre : acier, maillechort, cuivre, laiton, brossé, martelé, patiné dans une savante alchimie
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«?Quand on me demande pourquoi je peins, je réponds que l'art fait partie du processus de la vie. Il en émerge et y retourne.?» ?Maxime Zhang Né en Chine en 1967, le peintre et photographe Maxime Zhang choisit la France comme pays d'accueil et d'expression. Rapidement, il s'inspire de l'abstraction pratiquée par les peintres occidentaux tout en y mêlant l'art de ses ancêtres, les artistes des époques Tang et Song ainsi qu'une véritable spiritualité. Cet ouvrage nous plonge dans sa peinture d'une grande liberté créatrice, où la lumière prévaut et guide le spectateur.
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Claude Mercier ; oeuvre graphique d'un sculpteur
Lydia Harambourg
- El Viso
- 25 Mars 2021
- 9788412096965
Claude Mercier (1924 - 2019 ), immense sculpteur, est admiré pour ses oeuvres de métal pleines d'élan ou au contraire concentrées, repliées sur leur propre mouvement.
A partir de 1949 et jusqu'en 2016, il aura mené un travail inlassable et patient qui lui vaudra l'amitié de nombreux artistes et, dès ses débuts, les conseils et les encouragements de Henry Moore et Alberto Giacometti. On trouve ses oeuvres dans quelques-uns des plus grands musées et collections, Museum of Modern Art (MoMa) à New-York , Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Musée de Toronto, Canada, Fonds national d'art contemporain, Paris et de nombreux musées en région et collections privées.
Mais une facette de son talent reste très peu connue et « invisible » : il s'agit de ses dessins, gravures et peintures. Pourtant ils sont indissociables de ses sculptures, les complètent, les éclairent, s'enrichissent mutuellement de leur voisinage.
Oeuvres à part entière, ce ne sont en aucun cas des esquisses ni des croquis, moins encore des « relevés » dessinés ou peints de ses sculptures mais la force de leur volume, l'impression de relief, le même mouvement qui les anime fait invinciblement songer à son oeuvre sculpté dont, par un chemin inverse, on saisit alors toute la « picturalité », la précision et la légèreté, comme si l'acier, le laiton ou le cuivre avaient été dessinés d'un trait dans l'espace.
La soixantaine d'oeuvres graphiques reproduites dans cet ouvrage constitue donc une révélation et un éblouissement, aussi bien pour les amateurs déjà familiers de la carrière de Claude Mercier que pour ceux qui le découvriront grâce à ce précieux volume.
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Né en 1920, Olivier Debré est l'un des artistes le plus personnel du mouvement abstrait " lyrique " qui s'épanouit à Paris autour des années cinquante, terme auquel il lui préfère celui " d'abstraction fervente ". Tout son oeuvre, élaboré depuis 1944, témoigne de sa quête du réel entièrement revécu, où le paysage à la fois mental et sensuel relève son désir d'espace et de mouvement, comme l'expriment les toiles monumentales de ces dernières années et notamment les rideaux de scène pour la Comédie Française et le théâtre des Abbesses à Paris.
Ce rapport à la monumentalité lui a fait aborder la sculpture dès 1962 ainsi que l'architecture. Signe Personnage puis Signe paysage traduisent une réalité physique de la peinture qui ne serait selon Debré " que du temps devenu espace ". Quand il ne voyage pas, il vient se ressourcer sur les bords de la Loire, dans la propriété familiale des Madères. En peignant " dans la nature je traduis l'émotion qui est en moi devant le paysage, mais pas le paysage " dit-il. Cette quête d'une poésie de la nature, Olivier Debré en a fait une éthique de vie.
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Reproductions des oeuvres de Jacques Bibone, peintre.
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Trémois : un artiste, un siècle
Yvan Brohard, Lydia Harambourg
- El Viso
- 20 Octobre 2022
- 9788412443974
Pierre-Yves Trémois (1921 - 2020) est l'un des plus grands artistes français, un créateur protéiforme, surdoué, peintre, dessinateur, graveur, sculpteur mais aussi céramiste, orfèvre, créateurs de bijoux. Un luxueux coffret de 3 volumes rend hommage à cette personnalité hors du commun, l'une des plus populaires au meilleur sens du terme.
Pierre-Yves Trémois naît dans une époque marquée par les conflits et les dévastations, d'une guerre à l'autre, mais aussi les progrès techniques et scientifiques et l'espoir d'une humanité meilleure. Cette ambivalence marquera l'esprit et l'oeuvre de cet artiste qui oscillera entre la représentation de la folie des hommes et de leur violence mais aussi une confiance en un avenir ou l'homme retrouverait une place centrale, comme à la Renaissance, éclairé par les grandes découvertes.
Cet humanisme lucide caractérise son oeuvre virtuose qui l'amena à rencontrer et sympathiser avec les plus brillantes personnalités du siècle, Montherlant, Dali, Rostand, Claudel ou encore Fellini. Une oeuvre épurée qui va d'un trait à l'essentiel et couvre les domaines les plus variés, peinture, dessin, gravure, sculpture, orfèvrerie, céramique.
Grand prix de Rome en 1943, élu à l'Académie des Beaux-Arts en 1978, Pierre-Yves Trémois est l'un des artistes les plus doué et toujours surprenant.
3 volumes réunis sous coffret permettent de le redécouvrir de façon magistrale : Trémois et la littérature ; Trémois, la science et la métaphysique ; Trémois, le monde des Arts ; Trémois, l'Histoire et la religion -
Disparu prématurément, Robert Humblot, dit "Bob" (1907-1962), figure emblématique de l'art français du XXE siècle, a fortement contribué dans les années trente et l'après-guerre au renouveau de l'art figuratif français. Aux côtés de Rohner, Tal Coat, Jannot, Lasne, Pellan et le critique d'art Henri Héraut il fonde, en 1935, le groupe "Forces Nouvelles" qui prône le retour au dessin et à un nouveau classicisme.
Peintre humaniste, témoin lucide et prémonitoire d'une époque, il est également le portraitiste introspectif de l'âme mise à nue. Sans nuances et sans artifices avec la passion intransigeante et le regard de l'entomologiste, il peint avec franchise ses proches et ses modèles. Cet ouvrage est la première monographie à lui être consacrée. Texte de Lydia Harambourg - Témoignages de Brigitte Humblot, fille de l'artiste.
Avant-propos de Dominique Gagneux - Préface d'Emmanuel Bréon.
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François Baron-Renouard ; le magnifique
Lydia Harambourg
- In Fine éditions d'art
- 11 Mars 2021
- 9782902302703
Avec la peinture, François Baron-Renouard s'est consacré aux arts appliqués - mosaïques, vitraux, tapisseries - et a mené dans le cadre des salons et biennales internationaux une activité saisissante avec ses nombreuses responsabilités au service des artistes. Ses multiples voyages, de la Bretagne au Japon lui inspirent une oeuvre informelle dans le sillage de la nouvelle École de Paris. Ses peintures sont autant de poétiques paysages intérieurs, labyrinthiques et cosmiques. Lumineuse, musicale, l'oeuvre de ce coloriste exalte la richesse et la plénitude spirituelle d'un homme et d'un artiste dont le langage naît d'un humanisme naturel.
In addition to painting, François Baron-Renouard devoted himself to the applied arts-mosaics, stained glass, tapestry - and though salons and international biennales undertook a stunning profusion of activity in conjunction with his numerous responsabilities in service to fellow artists. His multiple journeys, from Brittany to Japon, inspire informalist works suffused by the spirit of the new School of Paris. His paintings are poetic landscapes that are internal, labyrinthine, and cosmic all at once. Luminous and musical, this colourist's works exalt the spiritual richness and plenitude of a man and an artist whose language springs from a natural humanism.
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Figure majeure de la peinture française après la Seconde Guerre, Geneviève Asse a bâti son oeuvre à l'écart des modes. Peintre de la lumière et de l'espace révélés par sa Bretagne natale, elle adopte le bleu, couleur emblématique de sa palette. Elle décline depuis plus de soixante ans le « bleu Asse » qui « prend tout ce qui passe », et joue d'une infinité de valeurs dans ses vues maritimes inspirées par la presqu'île familière de Rhuys et l'Ile aux Moines où elle achète une maison en 1987.
L'auteur, qui connaît bien l'artiste née à Vannes en 1923, nous fait pénétrer dans son univers et nous la fait suivre tout au long d'un parcours de vie très riche.
Geneviève Asse passe son enfance dans le golfe du Morbihan avec la mer pour ligne d'horizon, ancrage de sa peinture. A Paris, en pleine Occupation, elle suit les cours à l'école nationale des arts décoratifs et s'engage fin 1944 dans la 1re DB comme conductrice ambulancière. De Belfort à Berlin elle participe à la campagne d'Alsace et d'Allemagne et prend part à l'évacuation du camp de Terezin. Après la guerre, elle dessine pour les maisons de tissus Bianchini Ferrier, Paquin. Liée d'amitié avec l'industriel et collectionneur Jean Bouret, elle rencontre par son intermédiaire Nicolas de Staël et Beckett, qui deviendra un ami fidèle, tout comme Bram Van Velde. Elle côtoie Poliakoff, Lanskoy, Charchoune, Geer Van Velde.
Aux peintures blanches inspirées par la lumière du midi à la suite d'un séjour en Catalogne, succèdent dans les années 1970 des compositions en hauteur structurées par des lignes verticales ou horizontales suggérant des portes ou des fenêtres, « un fil tendu en équilibre », qu'elle reprend dans ses gravures.
A partir des années 1980, le bleu envahit la toile et absorbe le vide. Une ligne de démarcation, blanche, rouge à la fin des années 1990, divise la surface pour des symétries décalées. La série Stèles (hommage à Victor Ségalen) est donnée en 2012 par l'artiste au musée national d'art moderne venant compléter les achats de l'Etat commencés dès 1955 et enrichir les donations de l'artiste au Centre Pompidou.
Geneviève Asse a réalisé plusieurs commandes de vitraux à la cathédrale de Saint- Dié (1988) et à la Collégiale de Lamballe (1996). Plusieurs rétrospectives lui ont été consacrées: au musée de Reims, au musée d'art moderne de la Ville de Paris et récemment au musée de Rouen en 2009-2010.
De nombreuses expositions dans les galeries Claude Bernard, Jan Krugier, Ditesheim et Maffei, Marwan Hoss, contribuent à sa reconnaissance internationale.
A l'occasion de son 90e anniversaire, les musées de Montpellier, Vannes et le Centre Pompidou lui ont rendu hommage.
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Un style immédiatement reconnaissable. Une peinture exigeante, radicale, qui étonne, choque, heurte nos habitudes visuelles et nos certitudes en montrant une réalité que nous ne verrons plus tout à fait comme avant. La peinture de Bernard Buffet ne se contente pas de surprendre, elle entraîne et révèle la profonde humanité de celui qui oeuvre par nécessité intérieure, vécue comme une mystique.
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Robert Helman s'est imposé dans les années cinquante comme une figure majeure de l'abstraction lyrique au sein de la nouvelle école de Paris. Réfugié pendant la guerre à Barcelone, il revient s'établir à Montparnasse. Son oeuvre est un long poème pictural qui s'articule sur plusieurs grands cycles thématiques : Genèses, Forêts, Envols. La montagne, la caverne, le mur, la roche, la racine, la branche, la forêt, forment un corpus d'images singulières, contradictoires et complémentaires. Inspirées par la nature, ses créations constituent un hymne à la Création.
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Courants à quelque continent lointain et venues s'échouer sur nos rivages [...] Les formes étranges de ces souches noueuses, écorcées, nues, nues d'une obscène nudité, la masse inerte, putride, monstrueuse de ces débris d'embarcation, offrent à Danièle Perré des stimulants de création, le plaisir et le tourment d'inventer à partir du réel ces objets fantastiques, ces puissants ensembles de lignes et de couleurs qu'elle expose aujourd'hui, après des années de silence, de labeur et d'ingrate patience ".
Frank Elgar
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Présente l'oeuvre du peintre abstrait d'origine ukrainienne, membre de l'école de Paris après-guerre.
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si l'on connaît roger taillibert, l'architecte, concepteur du parc des princes ou du complexe olympique de montréal, bien peu savent en revanche sa passion pour la peinture.
pourtant, depuis toujours, elle est son jardin secret qu'il préserve farouchement, refusant d'exposer ou de vendre ses toiles, malgré les incessantes propositions. l'architecte des constructions ouvertes sur le ciel nous invite aujourd'hui à le suivre dans ses évasions chromatiques où les nuages s'envolent, les athlètes bondissent, les couleurs se répondent dans des paysages aux horizons illimités, avec cet élan sans lequel rien de grand ne se fait.
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Né à Neuchâtel en 1907, Hans Seiler passe sa jeunesse à Berne.
En 1924, il entre aux Beaux-Arts de Lyon où il suit des cours de sculpture. Sur les conseils de Madame Bardet, élève de Rodin, il va s'installer à Paris en 1927, où il travaille dans la classe de Bissière à l'Académie Ranson jusqu'en 1930. Il fait partie de la deuxième Ecole de Paris, mais il poursuit sa démarche en solitaire entre Paris et le Périgord. Il voyage aussi dès les années 1930 en Bretagne, puis, après la guerre en Normandie, en Hollande et enfin à partir de 1978 en Espagne ; des lieux où il puisera son inspiration pour réaliser les paysages et les intérieurs qui feront son oeuvre, élaborant au fil des ans une peinture tout à fait personnelle, caractérisée par des couleurs toujours subtiles, la recherche de la lumière et de l'espace.
A l'occasion du centième anniversaire de sa naissance, cet ouvrage rend hommage à ce peintre épris d'absolu.
